Es gibt fast keine Ausnahmen für in diesem System, Es gibt fast keine Ausnahmen und kein Entkommen. Wir haben der diskursiven Gewalt der dürftigen Kreativität, die Situationen dramatischer Spannung nur durch Schreierei und stereotype Gewalt lösen kann, Widerstand entegenbringen oder ihr erliegen müssen. Sie ist wie eine unsichtbar gemachte Seuche, die unaufhörlich in die Köpfe und die Herzen des Publikums gehämmert wird. Eine effektheischende Leier, gespickt mit gut durchdachter Dramatik, um uns etwas zu verkaufen … auf jede Art und Weise und um jeden Preis. Und sie beginnen damit, uns ihre Ethik und ihre Ästhetik des Marktes zu verkaufen.

Dabei spielt es keine Rolle, ob die Szene in einer realistischen oder einer Traumwelt spielt. Es macht keinen Unterschied, ob es sich um eine Telenovela oder eine große Hollywoodpremiere handelt. Der Betrug ist unwichtig, was zählt sind die wortreichen Dreistigkeiten als solche. Es ist die Ästhetik der Leere, die so tu,t als ob sie Epik wäre. Alle ihre Wege führen zu Geschrei, zu Schlägen, zu Kugeln.

Wenn man auf eine Inszenierung trifft, bei der auf Kugeln, Schläge und Geschrei verzichtet wird, hat man das Gefühl, dass etwas fehlt. Ein Gefühl von Bruch oder Abwesenheit, das man nur genießt, wenn man sich kritisch der gnadenlosen Sättigung bewusst wird, der wir jeden Tag ausgesetzt sind. Und sie haben uns beigebracht, süchtig nach den Effekten der konzeptionellen Schlichtheit zu sein, die unterschiedlicher technologischer oder szenischer Ausrüstung beraubt wird, um als besonders realistisch herüberzukommen.

Eines Tages werden wir über vielfältige kritisch-regulierende Instrumentarien verfügen, die in der Lage sind, den semiotischen und ästhetischen Missbrauch der Kulturindustrie einzudämmen. Eines Tages werden wir dem Medienapparat der herrschenden Klasse, der unsere Köpfe übernommen hat, während wir immer noch glauben, dass deren Produkte unschuldige Räume gesunder und sicherer Unterhaltung sind, nicht mehr so hilflos ausgesetzt sein. Es ist eine Schlacht der Ideen, die wir mit den Werkzeugen der emanzipatorischen Wissenschaft führen müssen.

Es ist ein ethisches, semiotisches und philosophisches Problem unserer Zeit, das als Schlüssel im dekolonisierden Kampf behandelt werden muss, wenn wir uns weiterhin bewusst sind, wer die Herren über die Produktion, den Vertrieb und die Vorführung der audovisuellen Produkte sind, die unsere Märkte und unsere Vorstellungswelt vereinnahmt haben. Es ist kein Problem des Geschmacks, zumindest nicht im nihilitischen Sinn von Geschmack. Eine Reihe entscheidender Werte steht zur Debatte, wenn es darum geht, herauszufinden, welche Interessen und welche Mächte so viel Geld und so viel Zeit investieren, um uns an Schreie, Kugeln und Schläge zu gewöhnen und wer der semiotische Sieger ist. Es ist nämlich so, dass es in der historischen Bilanz die Völker sind, die die von der herrschenden Klasse kommende Schreiereien, Schlägereien und Kugeln ertragen. Ist das Zufall?

In der politischen Ökonomie der hegemonischen Macht , die von den Kulturindustrien, gesteuert wird, sind die Schlägereien, die Kugeln und Schreierereien die Bastionen eines Klassengefühls, das uns, je mehr wir es wiederholen, dazu verdammt, es als Schicksal anzunehmen, das wir genießen, dem wir applaudieren und das wir außerdem bezahlen müssen. Und wir können nicht fliehen, denn es gehört zur Moral der herrschenden Klasse und die wird uns wie ein diszplinierender Bewusstseinskatechismus aufgezwungen. In diesem Zirkus ist niemand unschuldig. Jeder stellt sich zur Verfügung und jeder wird dafür bezahlt, den treffsichersten Schlag, Schrei oder die Kugel zu liefern, wenn es darum geht, seine Ethik und seine Ästhetik in der sprichwörtlichen und manipulierten bürgerlichen Dynamik der profitablen Gewalt zu kristallisieren. Sie werden sie dir mit Schlägen, Schreien und Kugeln verständlich machen … wenn du nicht aufpasst.

(Quelle: Granma)

1943 geboren, verdiente Tabío sich die Anerkennung der Öffentlichkeit und der Fachkritiker für verschiedene Werke, unter ihnen Se permuta (1985), eine klassisches Komödie mit Rosita Fornés.

Dem renommierten Filmemacher verdanken wir auch den Kinoerfolg Plaff (1988) und er war Co-Regisseur von Tomás Gutiérrez Alea bei Fresa y chocolate (Erdbeer und Schokolade, 1993) sowie Guantanamera (1995). Lista de espera (Warteliste) aus dem Jahr 2000 und El cuerno de la abundancia (Das Füllhorn des Überflusses) von 2008 sind einige seiner jüngeren Titel.

Sein Leichnam wird eingeäschert und in Kürze wird bekannt gegeben, wann und wo man von diesem Schöpfer unvergesslicher Produktionen Abschied nehmen kann, der Leitlinien aufgestellt und ein wichtiges Erbe im kubanischen Filmschaffen hinterlassen hat.

(Quelle: Granma)

Kritiker und Wissenschaftler haben immer darauf hingewiesen, aber die Verteidiger der Produktionsfirma beharrten darauf, dass solche Anschuldigungen unbegründet seien, ebenso wie die Vorwürfe von Rassismus und Frauenfeindlichkeit, die persönlich gegen den Gründer der Firma, Walt Disney, gerichtet waren.

Ganze Generationen wuchsen mit diesen Trickfilm-Klassikern auf und nicht alle waren bereit, eine von Begeisterung geprägte Kindheitsgeschichte daraufhin zu überprüfen oder den gutmütigen Walter Elias Disney dafür verantwortlich zu machen, dass er Szenen mit Inhalten losließ, die die menschliche Natur beleidigten.

Aber die Zeiten ändern sich, und die Enkel und Urenkel derer, die es nicht bemerkten, begannen zu begreifen, dass Disney trotz der kreativen Verpackung dieser Filme den rassistischen, sexistischen und xenophoben Merkmalen nicht entkommen konnte, die von Beginn an Hollywood geprägt hatten.

Walt Disney selbst versuchte bereits früh, sich aus der Verantwortung zu stehlen, indem er erklärte: „Ich mache Filme zur Unterhaltung, und hinterher sagt mir dann die Hollywood-Akademie, was sie bedeuten.” Aber seit den 30er Jahren des letzten Jahrhunderts fehlte es nie an Experten, die darauf hinwiesen, dass in diesen schönen Geschichten für Kinder „etwas Düsteres war”.

Die Kritik umfasste kulturelle Falschdarstellungen vonseiten der Disney-Industrie, wie es bei der chinesischen Legende Mulan (1998) der Fall war, und erst vor vier Jahren bei Moana, einem Film, in dem Maui, eine in Polynesien verehrte mythologische Figur, in ein lustiges Dickerchen mit Lendenschurz verwandelt wurde.

Der Kampf gegen rassistische Positionen, der in der Welt geführt wird, scheint entscheidend dafür gewesen zu sein, dass das Haus Disney ins Fadenkreuz geriet. Im November letzten Jahres wurde auf den auf seiner Plattform gezeigten Filmen die folgende Warnung angezeigt: „Dieses Programm wird in seiner ursprünglichen Form präsentiert und enthält möglicherweise veraltete kulturelle Darstellungen.”

Es ist dies eine Möglichkeit, Fehler einzugestehen. Sie wird jedoch nicht ausreichen, um zu verhindern, dass die Kritik fortgesetzt wird. Daher heißt es auf dem neuen Label seit einigen Tagen: „Dieses Programm beinhaltet negative Darstellungen und /oder eine schlechte Aufbereitung von Menschen oder Kulturen.”

Damit keine Zweifel an ihren Berichtigungsabsichten aufkommen, erklären Vertreter von Disney, dass es unmöglich sei, das zu ändern, was bereits getan wurde: „Diese Stereotypen waren damals falsch und sie sind es jetzt auch. Anstatt diese Inhalte zu entfernen, möchten wir ihre schädlichen Auswirkungen anerkennen, daraus lernen und Gespräche anregen, um gemeinsam eine integrativere Zukunft zu schaffen.

Damals gab es keinen Aufruhr, als man anprangerte, dass in Fantasia der schwarze Zentaur im Vergleich zu den weißen Zentauren einen kleinen und unbedeutenden Körper hat und dass sein Tierbestandteil kein Pferd, sondern ein Esel ist. Oder dass die Funktion der „kleinen Negerin“ darin besteht, die Hufe der opulenten weißen Zentauren zu polieren.

Im Dschungelbuch sprechen die Tiere mit exquisitem britischem Akzent, abzüglich der Affen, Archetypen der sogenannten afroamerikanischen Unterwelt, die darauf aus sind, wie weiße Männer zu werden. Und in Dumbo spielen die mit dem Elefanten befreundeten Krähen Jazz, sind repräsentative Ausgestoßene der „schwarzen Rasse” und werden von einem „Jim Crow“ angeführt – ein Name, der abfällig für schwarze US-Bürger steht.

Aschenputtel, Schneewittchen, Dornröschen, schön, wehrlos, schutzbedürftig. Laut dem Gelehrten David Payne bedeuten sie „die Verkörperung allen männlichen Verlangens, des Patriarchats eines einzigen Mannes, der absolute Herrschaft, absoluten Besitzanspruch hat”. Bei Pocahontas glaubten einige schon, dass die Vision von Peter Pan, in der die Indianer rot gefärbt und grotesk wirkten und einsilbig sprachen, nunmehr behoben sei, aber es wurde eine verzerrte Darstellung der historischen Wirklichkeit daraus, als deutlich wurde, dass Disney Productions die Massaker rechtfertigte, die der Ansiedlung der Indigenen folgten.

Susi und Strolch war eine klare Metapher für die „gefährliche“ asiatische Einwanderung und Aladdin spielt in einem arabischen Land, in dem – wie das einleitende Lied sagt – „sie dir den Kopf abschneiden, wenn sie dich nicht mögen”.

Eine lange Liste von Filmen, die nun endlich eine Warnung und eine Entschuldigung enthalten, die, wie es leider oft passiert, für viele zu spät kommen wird.

(Quelle: Granma)

Der Film Mambo Man des kubanischen Musikers und audiovisuellen Produzenten Edesio Alejandro und des britisch-iranische Filmemachers Mo Fini, Inhaber der englischen Firma Tumi Music, wurde beim Best Global Shorts Festival als bester Spielfilm der Saison ausgezeichnet. Das audiovisuelle Werk erhielt damit bereits 15 Preise, darunter den für die beste Regie und den für den besten Spielfilm beim Festigious International Film Festival sowie den für den besten Spielfilm bei den Florence Film Awards und den für den besten ausländischen Spielfilm beim Moody Crab Film in Indien.

Der Film basiert auf einer wahren Begebenheit. Laut der Synopse geht es in Mambo Man um „die Geschichte von JC, einem lokalen kubanischen Musikproduzenten und -förderer, Landwirt und vor allem einem Vater; der in viele Rollen jonglieren muss, um an der Spitze und ‘ein großer Fisch in einem kleinen Teich’ zu bleiben, und der von seinem Einfallsreichtum und seiner Fantasie lebt“.

„Mit der heutigen haben wir 15 Auszeichnungen erreicht. [...] Ich bin sehr glücklich. Herzlichen Glückwunsch an mein gesamtes Mambo Man-Team. Diese Auszeichnungen gehören uns allen. [...] Alle sind von wesentlicher Bedeutung, danke an alle“, schrieb Edesio Alejandro auf seinem Facebook-Profil.

Der unabhängig produzierte Film, der an Orten in der östlichen Region Kubas gedreht wurde, wurde von Tumi Music produziert, einer englischen Firma, die seit Jahren kubanische Künstler der traditionellen Musik aufnimmt.

Wie von einem von Edesio Alejandro (Komponist, der auch Musik für Fernsehserien und Filme geschrieben hat) mitgestalteten Film zu erwarten ist, hat er eine starke musikalische Komponente, die den Soundtrack ausmacht. Dabei ist die Beteiligung der Musiker Cándido Fabré, Eliades Ochoa (aus Buena Vista Social Club), Grammy-Preisträger, Juan de Marcos González (von Afro-Cuban All Stars), Maria Ochoa, Arturo Jorge, David Álvarez und Julio Montoro hervorzuheben.

Die Dreharbeiten zu Mambo Man fanden an Orten in den Provinzen Granma und Santiago de Cuba statt. Der Film wurde letztes Jahr uraufgeführt. Leiter der Fotografie ist Luís Alberto González, die Produktionsleitung hatten Julio César Llamos und Zadoc Nava. Die teilnehmenden Künstler sind Teil des Katalogs des Labels Tumi Music. Die Edition hatte Edesio Alejandro, der aktives Mitglied der Hollywood Film Academy sowie der Latin Grammy Academy und der Grammy Academy ist. Er ist auch Kulturbotschafter des Latin Institute of Music (ILM), einer Institution, über die er einen Dokumentarfilm dreht, um deren 100-jähriges Bestehen im Jahr 2021 zu feiern.

(Quelle: Granma)

Mit der Vorführung des Films „Das Mafia-Paradies – Kuba vor der Revolution von 1959“ zog das Filmfestival GlobaLE in Deutschland den Vorhang für seine 16. Auflage.

Die Veranstaltung, die seit 2004 in Leipzig stattfindet, zeigt audiovisuelle Werke, die die globalen Auswirkungen und den Widerstand gegen die kapitalistische Wirtschaft dokumentieren. Der Eröffnungstag war Kuba in seinem Kampf gegen die Intensivierung der Blockade der Vereinigten Staaten gegen die Insel gewidmet.

Laut einem der Regisseure des Films, dem Deutschen Hans-Peter Weymar, spiegelt der Film die Verbindungen zwischen dem Diktator Fulgencio Batista (1952 – Dezember 1958) und der US-amerikanischen Mafia in Havanna vor dem revolutionären Sieg wider.

In Bezug auf seine Motivation für diese Produktion bekundete Weymar seine Vision der Blockade, deren Auswirkungen er während seines Aufenthalts in Kuba aus erster Hand kennen lernte, und hob die Initiativen hervor, die in seinem Land zur Unterstützung Kubas entwickelt wurden, wie beispielsweise die Kampagne UnBlockCuba 2020.

In diesem Sinne verwies er auch auf eine Petition gegen die Blockade, die von rund 60 Persönlichkeiten der Kultur und Wissenschaft der europäischen Nation unterstützt wird, die mehr als 50.000 Online-Unterschriften hat und zu deren Initiatoren er gehört.

Ebenso stach die Arbeit kubanischer Ärzte auf der ganzen Welt unter den Vorschlägen des Festivals mit der Präsentation des Dokumentarfilms „Por la Vida – Für das Leben“ hervor, der den Kampf der Ärzte gegen Ebola in Westafrika und an anderen Orten der Welt zum Inhalt hat.

Der Arzt und Präsident der Organisation Humanitäre Cuba Hilfe e.V., Klaus Piel, hob die Arbeit des Gesundheitspersonals der Insel gegen die COVID-19-Pandemie hervor und erläuterte die Kampagne für die Verleihung des Friedensnobelpreises an die Henry-Reeve-Brigade.

Bis zum 7. November wird sich der Event erstrecken, der an 50 Orten Veranstaltungen umfasst, die aufgrund der SARS-Cov-2- -Pandemie im Freien stattfinden. Es werden zwei weitere Werke über Kuba gezeigt werden, deren Regisseur Tobias Kriele ist.

GlobaLE wurde 2003 in Berlin geboren und breitete sich auf andere Städte und Länder aus, um die verschiedenen Kämpfe sichtbar zu machen, die sich einem global dominierenden System radikal entgegestellen, in dem kapitalistische Ausbeutung, patriarchalische Gewalt, Rassismus und Diskriminierung das Leben und die Zukunft bedrohen.

(Quelle: Granma)

Der Dokumentarfilm wurde drei Jahre lang von den Filmemachern Christina Clusiau und Shaul Schwartz gedreht. Zunächst präsentierten sie in sechs Kapiteln ein Serienprojekt, das den Aussagen von Trump während der Kampagne, die ihn zur Präsidentschaft führten, entsprach: Man müsse verhindern, dass sich das Land weiterhin mit „Pennern, Dieben, Vergewaltigern, Mördern …“ fülle, weshalb es wichtig sei, dass der Einwanderungs- und Zolldienst (ICE) seinen Gürtel enger schnallte und nach den Unerwünschten suche.

Die Bereitschaft der Filmemacher, die tapfere Truppe zu begleiten, wurde mit Euphorie und Hilfestellungen aller Art aufgenommen, undenkbar für ein Unternehmen, das unerwünschte Blicke und negative Kommentare verachtet.

Die Vorschauen, die Netflix in schwindelerregendem Tempo bietet, geben eine Vorstellung davon, was in Immigration Nation zu sehen sein wird: Missbrauch, Lügen, Gewalt, Manipulationen, Hausüberfälle, weinende Mütter, eingesperrte Kinder, Arbeiter ohne Vorstrafen, die in Dokumenten des Einwanderungs- und Zolldienstes als Mörder registriert sind, um die Zahlen der „menschlichen Reinigung“ zu erhöhen, herzzerreißende Bilder fragmentierter Familien, ohne die Todesfälle zu vergessen, an denen es nie fehlt.

Monate vor der Fertigstellung des Dokumentarfilms spähte ein Vertreter von ICE durch das Schlüsselloch und stellte fest, dass das, was die Filmemacher vorbereitet hatten, weit vom ursprünglichen Projekt entfernt war. Verrat!, wurde gerufen und es begannen Druck und Drohungen aller Art seitens der Regierung. „Nicht einmal Bilder des Dokumentarfilm dürfen gezeigt werden“, sagten sie. Und an eine Aufführung „darf nicht einmal gedacht werden“.

Als die rechtlichen Maßnahmen zur Verhinderung der Präsentation des Dokumentarfilms nicht zogen, spielte die Regierung der Vereinigten Staaten die letzte Karte aus und versuchte, die Premiere bis nach den diesjährigen Präsidentschaftswahlen herauszuzögern. Wenn jedoch bis zum 3. August nichts außergewöhnliches geschieht, wird die umfangreiche Anklage, die Immigration Nation mit sich bringt, zu einem Triumph werden.

Es lohnt sich jetzt zu fragen, inwieweit die Realität, die von den Filmemachern drei Jahre lang erlebt wurde, das ursprüngliche Projekt zu einem weiteren Schuss nach hinten für die Regierung gemacht hat.

(Quelle: Granma)

Bei dieser Ausgabe, an der die kubanischen Spielfilme Letzte Tage in Havanna (Fernando Pérez), Es ist nicht mehr früher (Lester Hamlet) und Sharing Stella (Enrique Álvarez Martínez), sowie das Erstlingswerk Esteban (Jonal Coscuella Sánchez) beteiligt sind, werden darüber hinaus auch großartige Filmschaffende der Insel wie Julio García Espinosa geehrt. Auch das Werk von Tomás Gutiérrez Alea (Titón) und von Pastor Vega werden mit der Vorführung ihrer kürzlich restaurierten Filme Memoiren der Unterentwicklung und Porträt von Teresa in Erinnerung gerufen.

Die Film- und Fernsehschule von San An­tonio de los Baños, wo viele Filmschaffende des Kontinents ausgebildet wurden, begeht ihren 30. Jahrestag zusammen mit diesem Festival, das einmal mehr als alternativer Spielort dient, um Filme zu zeigen, die in den internationalen Verteilungszirkeln weniger Beachtung finden.

Der ehrwürdige Bürger, ein Film von Gastón Du­prat und Mariano Colón (Argentinien-Spanien, 2016), der für den Goldenen Löwen nominiert wurde, wird der Eröffnungsstreifen des Events sein, zu dem alljährlich Künstler und Promoter des Films der Region und aus aller Welt nach Kuba kommen. Diesmals werden Persönlichkeiten wie Sonia Braga, Maritza Paredes, Brian de Palma, Oliver Stone und andere dabeisein.

Die indigenen Völker und Kulturen und die Karibik werden ebenso vertreten sein. Dies ist der Fall des historischen Dokumentarfilms Jacques Stephen Alexis, Mort Sans Sepulture (Arnold Antonin), der an die Regierung von Duvalier in Haití erinnert, und des Spielfilms Ayiti Mon Amour (Haiti, meine Liebe) von Guetty Felin (Haiti-USA). Aus anderen Breiten werden deutsche und spanische Filme gezeigt werden, neben einem Zeitgenössischen Internationalen Panorama, das Alles was kommt (Frankreich-Deutschland), von Mia Hansen-Love einschließt.

Einen Raum wird auch das Experimentelle Filmschaffen haben und einer der am meisten erwarteten Filme außerhalb des Wettbewerbs wird zweifellos The Rolling Stones Havana Moon von Paul Dugdale sein, in dem der historische und einzige Auftritt der Rolling Stones in Havanna festgehalten wurde. Auch die legendäre britische Band unter der Leitung von John Lennon und Paul McCartney kann das Publikum wiedersehen im Film The Beatles: Eight Days a Week. Der Dokumentarist Oliver Stone wird seine Vision von Snowden vorstellen.

Iván Giroud, Direktor des Festivals des Lateinmerikanischen Films, bezog sich auf die Wichtigkeit, dieses Festival aufrecht zu erhalten, das so etwas ist wie das Heim, in das die Künstler der Region immer wiederkehren, nachdem sie in anderen Breiten und Situationen ihre Erfahrungen gesammelt haben. Hier, in der Austragungsstadt dieser fast vier Jahrzehnte von Treffen auf und vor der Breitwand, werden die Zuschauer die aktuellen Strömungen, die Brüche und Weiterführungen eines Filmschaffens verfolgen können, das in erster Hinsicht dem Autorenfilm gewidmet sein wollte.

(Granma)